CULTURA ESCÉNICA

«CAMPESINA, campesina» es un espectáculo de danza contemporánea para la calle que toma como punto de partida la conocida canción popular que da nombre a la obra.

La creación escénica construye un universo visual y coreográfico donde tradición y contemporaneidad se entrelazan. Las danzas tradicionales canarias constituyen el sustrato desde el que se desarrolla un lenguaje escénico actual, mientras la imagen de la campesina protegida del sol de Lanzarote por la amplia luneta* de su gorra tradicional aporta el punto de partida de su narrativa visual y poética.

El espectáculo se articula, por tanto, en dos escalas complementarias. Canarias aporta el universo cultural y coreográfico que la pieza reinterpreta desde la danza contemporánea. Lanzarote aporta su raíz visual, paisajística y emocional: las gorras características de las campesinas lanzaroteñas, la indumentaria tradicional, la relación con la tierra y la memoria insular. Es también la isla natal de Quino Falero, creador y director de la obra, por lo que el proyecto nace de una vinculación personal con ese imaginario.

No se trata de reproducir el folclore ni de reconstruir de manera literal una faena agrícola. La obra parte de esa herencia para transformarla mediante el movimiento, la composición escénica, la música original y la presencia de dos mujeres que encarnan una memoria reconocible y, al mismo tiempo, abierta a una lectura contemporánea.

Concebida como espectáculo de calle, la pieza se representa bajo la luz natural. El sol y las sombras forman parte deliberada de su lenguaje: acompañan a unos cuerpos que evocan el trabajo al aire libre y permiten que cada representación establezca una relación singular con el espacio y con el momento del día.

 

_{* El investigador Ricardo Reguera, autor del estudio especializado Indumentarias y textiles de Lanzarote, distingue claramente la sombrera, realizada con palmito o paja, de la gorra elegida por Quino Falero para el espectáculo: tocado de tela compuesto por capucha, una gran visera pespunteada —también llamada luneta— y una capita que cae sobre los hombros. Reguera precisa que la gorra blanca es «conocida como gorra de soltera», denominación asociada a su uso especialmente frecuente entre niñas y mujeres jóvenes, asociándose a las solteras, aunque el estado civil no determinaba de manera absoluta el empleo de la prenda.} 

Dos bailarinas encarnan dos rostros de nuestra tierra: dos campesinas vestidas con indumentaria tradicional, una de blanco y otra de negro. La figura vestida de blanco remite a la mujer joven y a la gorra tradicionalmente conocida como gorra de soltera. Frente a ella, la campesina vestida de negro encarna el contrapeso de la edad, el desgaste, la experiencia y la madurez, frente a la mocedad evocada por la figura vestida de blanco.

Ambas son portadoras de la memoria insular. A través del movimiento evocan el trabajo en el campo, la resiliencia de la mujer campesina y el paisaje humano de la isla. Sus cuerpos trasladan al presente unos gestos, unos ritmos y una relación con la tierra que forman parte de la memoria colectiva.

Las campesinas ocupan un mismo espacio y construyen una imagen dual. El blanco y el negro no las distancian: establecen un juego de contraste, correspondencia y complementariedad. Son dos figuras distintas y, al mismo tiempo, dos expresiones de una misma memoria femenina, necesaria para comprender el presente y capaz de ejercer una función reflexiva y sanadora.

La danza contemporánea transforma el legado tradicional sin borrarlo. La música original de Benito Cabrera acompaña ese tránsito entre memoria y creación actual, mientras la luz natural proyecta sobre el suelo una segunda escritura: las sombras móviles de las intérpretes expuestas al sol.

«CAMPESINA, campesina» convierte así la imagen popular de la mujer campesina en una presencia escénica viva. Una figura femenina, sostén y matriarca de su tierra, procedente del pasado que regresa al espacio público para ser contemplada desde el presente, porque, en esencia, nunca llegó a desaparecer: permanecía en la memoria colectiva, a la espera de ser reconocida sin sesgo de género.

Una isla sostenida por mujeres, la figura de la campesina ocupando un lugar esencial en la memoria rural de Canarias y adquiriendo en Lanzarote una presencia visual especialmente reconocible: la mujer protegida bajo la gorra de luneta, inclinada sobre una tierra que exige conocimiento, esfuerzo y perseverancia.

«CAMPESINA, campesina» recupera la memoria de esas mujeres que participaron activamente en el trabajo de la tierra y que, junto con los cuidados, la organización familiar y la transmisión de conocimientos, sostuvieron buena parte de la vida cotidiana de las comunidades insulares.

La obra dirige la mirada hacia una labor indispensable que, con frecuencia, quedó integrada en la normalidad doméstica y rural sin recibir un reconocimiento equivalente a su importancia. La campesina no aparece como una figura secundaria ni como una estampa decorativa, sino como una presencia central en la construcción material, afectiva y cultural de la isla.

Desde esta perspectiva, la propuesta permite hablar de un matriarcado de supervivencia. No como un sistema institucional en el que las mujeres ejercieran formalmente el poder, sino como una centralidad femenina nacida del trabajo, la responsabilidad, la transmisión de saberes y la capacidad de sostener la vida comunitaria.

Ese matriarcado se manifiesta sin proclamaciones. Está inscrito en la constancia, en la administración de recursos escasos, en el conocimiento del territorio y en los gestos transmitidos entre generaciones. La obra rescata esa fuerza femenina silenciosa y la convierte en movimiento, imagen y presencia pública.

Las dos protagonistas —una campesina de blanco y una campesina de negro— no representan únicamente a dos mujeres concretas. Encarnan una genealogía femenina y dos rostros complementarios de la memoria insular. A través de ellas, el trabajo cotidiano adquiere una dimensión poética y el cuerpo se convierte en territorio de transmisión.

La danza contemporánea permite traer esa memoria al presente sin inmovilizarla en una reconstrucción folclórica. Las danzas tradicionales canarias proporcionan la raíz; la imaginería de Lanzarote, su identidad visual y poética. Entre ambas dimensiones se construye una obra que reconoce a las mujeres campesinas no solo como habitantes del territorio, sino como una de las fuerzas que contribuyeron decisivamente a sostenerlo y transformarlo.

La música no actúa únicamente como acompañamiento. Organiza el tiempo de la faena, sostiene la respiración de los cuerpos y construye el paisaje sonoro en el que las dos campesinas se encuentran.

La música original de Benito Cabrera acompaña el encuentro entre memoria y contemporaneidad.

Su trayectoria como timplista, compositor y estudioso del folclore canario aporta a la obra un conocimiento profundo de la tradición musical de las islas y, al mismo tiempo, una amplia experiencia en su apertura hacia otros lenguajes y formaciones.

Las composiciones de Benito Cabrera para acompañar el espectáculo establecen un diálogo con la raíz popular de la propuesta: aporta memoria, pulso y materia emocional al encuentro entre las danzas tradicionales canarias y el lenguaje expresivo de la danza contemporánea.

La representación puede complementarse con una actividad de mediación impartida por las coreógrafas e intérpretes, Vanessa Medina y Ángeles Padilla.

Una de las particularidades que hacen de esta propuesta algo especial es su vocación participativa y de creación de vínculos entre el público, el arte en movimiento y sus artistas.

Al finalizar cada representación, las intérpretes ofrecerán un breve taller práctico al público sobre danzas tradicionales canarias. Este componente convierte la experiencia en algo cercano, accesible y enriquecedor, fomentando la implicación activa del espectador y promoviendo una experiencia más cercana, inclusiva y educativa para el público.

El encuentro tendrá una duración máxima de 30 minutos y se adaptará a las condiciones del espacio, al perfil del público y al tiempo disponible dentro de la programación.

Podrá desarrollarse como:

• Una clase magistral práctica, en la que se compartan movimientos, ritmos y principios procedentes de las danzas tradicionales canarias y de su transformación contemporánea.
• Una charla magistral, cuando las condiciones no permitan una práctica corporal o el tiempo disponible aconseje una intervención más breve, de aproximadamente 15 o 20 minutos.

La actividad permite aproximarse a la obra desde la experiencia directa y comprender cómo un gesto cotidiano o tradicional puede convertirse en material coreográfico para la creación escénica, desde la visión de dos profesionales de prestigio en la coreografía e interpretación dancística.

Establecido en Madrid desde 1995, director de importantes éxitos cómo: «#Malditos16», estrenado en el teatro María Guerrero del Centro Dramático Nacional, «El manual de la buena esposa», «Locos por el té», «De mutuo desacuerdo», «Mentirosas», «Matrimonio de Boston», «Tres», «Todo es mentira», «Alegrías ¡las justas!», «Los amores diversos», «¿Qué haces mañana?», «Pánico», todos estrenados en la programación de temporada de los más importantes teatros privados y públicos de Madrid. Otros títulos que también han recorrido los más destacados teatros del país, «La lista de mis deseos», «Tamaño familiar», «Las Harpías en Madrid», estrenada en el Festival de Almagro o «La lista de mis deseos».  Coach en «40 El Musical» y ayudante de dirección en proyectos tan exitosos como «El Método Grönholm», «Gorda», «Las memorias de Sarah Bernhardt» y «Memento Mori», junto a directores como Jaime Chávarri o Tamzin Townsend, entre otros.

Al mismo tiempo dirige también en Canarias obras como «La Zapatera prodigiosa», «La Historia de un Soldado», «El veneno del teatro», el musical «La noche de Sabina», «La Umbría», «Satie. Monólogo musical para dos pianos», «La voz que espera», estrenadas en el teatro Cuyás y el teatro Pérez Galdós.

Director de los programas y espectáculos musicales para televisión: «En otra clave», «¡Malo será! Do teatro… á televisión», «Premios Iris América 2024», «¡Bienvenido 2024! El año en verde», «Año nuevo en el atlántico», «La luz enciende el 2020», «En hora canaria. 100 años con César Manrique», «Más allá del teatro», «8 Amaneceres por La Palma», «8 Faros en el Atlántico», «Ida y vuelta», «Locos de la cabeza», «Esto es muy serio» …etc.

Creador de los eventos escénicos: «Andanzas de caminante. Homenaje a Ángel Guerra», para la celebración del Día de las Letras Canarias 2024; «Lanzarote tierra de mar», para la celebración del Día de Canarias 2024; «XX Maratón de Monólogos de la Asociación de Autores de Teatro», en el Círculo de Bellas Artes de Madrid; «Gala XXIII Premios Unión de Actores y Actrices», XVI Gala Premios Max …etc.

Ideador y director artístico de la programación del «Festival Escena Lanzarote», una muestra internacional de cultura escénica que presenta su 6ª edición 2026 para los Centros de Arte, Cultura y Turismodel Cabildo de Lanzarote (CACT).

Codirector de la colección editorial «Dramaturgias Insulares» para el Servicio de Ediciones del Cabildo de Gran Canaria, y autor del epílogo de la obra inédita de Alonso Quesada «Doña Juana y sus hijos».

Es docente de artes escénicas, técnicas teatrales, creación y dirección escénica, durante más de una decena de ediciones del proyecto «Teatrae / Teatraula» del teatro Cuyás. Ha impartido cursos de especialidad para la Unión de Actores y Actrices de Madrid, para la sala AzArte de Madrid, para el Espacio ETC de Las Palmas, y para el proyecto educativo del Teatro Real de Madrid en colaboración con el Proyecto LÓVA.

Actualmente reside en Las Palmas de Gran Canaria y dirige su promotora cultural «Futura Cultura Lab».

Solista de timple y folclorista, Benito Cabrera ha sido el primer intérprete que ha llevado el timple al ámbito sinfónico, realizando numerosos conciertos y grabaciones con formaciones como la orquesta sinfónica de tenerife, la orquesta sinfónica de córdoba o la orquesta sinfónica de galicia.

Además de ofrecer recitales por todas las islas y participar en macro-festivales como el Womad, Atlántica o Son Latinos, ha actuado en las ciudades más importantes del territorio español, así como en otros países: Cuba, Estados Unidos, Puerto Rico, Bélgica, Francia, Holanda, Noruega, Portugal, Eslovaquia, República Checa, Venezuela, Uruguay, Noruega, Alemania, Inglaterra, Japón, Argentina.

Ha sido merecedor, en tres ocasiones, del «Premio Internacional Cuba-Disco» por trabajos como «Raíces del Mundo» junto al Cuarteto Capriccio y a «Timpluras».

Ha editado 9 grabaciones como solista de timple, en las que se combinan tendencias que van desde el folk, la música clásica y el pop. Su tarea de divulgación y didactismo se ha visto reflejada en la edición de varios libros de investigación etnográfica, en varias enciclopedias sobre cultura canaria y en la realización de dos métodos (uno de ellos audiovisual) que se han editado para el aprendizaje del timple. Ha realizado multitud de conciertos didácticos con distintas formaciones y fue el coordinador del área didáctica de la Orquesta Sinfónica de Tenerife durante varias temporadas.

Desde el año 2005 al 2008 ejerció como profesor de la asignatura de Timple del Conservatorio Superior de Música de Canarias.

Durante el 2005, realizó conciertos en Alemania, Portugal y Japón, destacando en este último, la participación en la Exposición Universal de Aichí, así como un concierto ofrecido en el prestigioso teatro Konzerthaus de Berlín, donde estrenó la obra «Pinceladas Canarias», del compositor Emilio Coello.

En el 2006 se editó su disco «Puente del Sur», que fue presentado en la Otto Braun Saal de Berlín, en el festival «Folk de Inverno» de Las Rozas, Madrid, en el Raising Sun Arts Centre de Londres, así como en numerosos lugares de las islas.

Durante el 2007 realizó una gira por Estados Unidos y se hizo cargo de la dirección musical del mítico grupo Los Sabandeños.

En el 2008, editó su séptimo trabajo discográfico, titulado «Contrastes», que fue presentado en numerosas ciudades españolas.  

En el 2009, ofreció un concierto en el mítico teatro neoyorquino del Carnegie Hall.

En el 2010 realizó conciertos en toda el área de Canarias, así como varios conciertos en diversos puntos de la península y Argentina. Se hizo cargo de la dirección musical y arreglos del disco «Amoríos» de Los Sabandeños, con la participación de varios artistas como Sole Giménez o Pablo Milanés. Colaboró con varios artistas y colectivos como la Orquesta Sinfónica de Tenerife o Los Gofiones. Ese mismo año editó el disco «Raíces del Mundo», como solista de timple, acompañado por el Cuarteto Capriccio. También, montó y dirigió el proyecto de la Orquesta de Timples «Timpluras».

En diciembre de 2012 presentó su libro «Obras para timple solista». 

En abril de 2014 presentó su libro «Va por el aire».

En julio de 2016 presentó su último disco, titulado «Espirales».

Desde 2007 al 2020 se hizo cargo de la dirección musical del grupo Los Sabandeños.

Ha dirigido musicalmente el programa especial de Nochevieja de la Televisión Canaria desde el 2018 al 2022. Para esta misma cadena, participa junto a la Cantante Cristina Ramos y el guitarrista Tomás Fariña, en dos temporadas del programa «Aquí la Tele», de la productora «Etiqueta Azul».

Actualmente, 2026: dirige la Casa-Museo del Timple en Teguise (Lanzarote) y realiza proyectos diversos con varias formaciones musicales y solistas. Su último proyecto fue «Con el Timple a Cuestas», un programa televisivo producido por Etiqueta Azul para la TVC, del que se emitieron dos temporadas.

Formato: espectáculo de danza contemporánea para la calle. Duración: 40 minutos.

La versión puede resultar adaptable ante situaciones especiales, con una posibilidad de reducción a 30 minutos cuando lo requiera la programación.

Espacio: exterior; plazas, patios, espacios patrimoniales y otros emplazamientos adecuados para artes de calle. 

Suelo: Piso firme, sin imperfecciones ni irregularidades notables.

Superficie mínima: 25 m². Con dimensiones recomendadas: 6 × 5 metros.

Horario: funciones de mañana o de tarde.

Iluminación: exclusivamente luz natural. No requiere iluminación escénica eléctrica.

Sonido: música grabada, reproducida mediante un sistema de sonorización adecuado a las características y aforo del espacio, que será aportado por la entidad programadora.

Actividad de mediación opcional: clase o charla magistral, con una duración máxima de 30 minutos, también adaptable a 20.

Mediación: cuando se contrate esta actividad, la sonorización incluirá un micrófono de diadema o de solapa.

(Más detalles en el dosier comercial)